無字天書 (자연의 책)

#문학강의

[제74강]

시의 이미지(image) 고찰

이근모(시인)

1.서

우리는 흔히 문학 이론이나 시평을 통하여 흔히 이미지(image)라는 용어를 많이 접한다

하여 이 용어에 대한 개념과 이 용어와 관련한

이미지의 종류랄까 아니면 이미지의 분류랄까 무어라 확 단정지울 수 없지만 이미지의 성격에 대하여 나름의 고찰을 진술해 보고자 '시의 이미지 고찰'이라는 주제로 강의(안)을 작성해 본다.

2. 이미지(image) 란?

흔히 심상이라고 불리며, 사물로 그린 그림, 언어의 회화란 말로 해석된다. 이러한 이미지는 감각적 체험에 의해 마음속에 그려진 사물의 영상으로서 상상력에 의해 결합된다. 현대시의 중심을 이미지라고 할 정도로 절대적인 표출방법이 되고 있다. 이러한 표출방법의 이미지 주의를 이미지즘(imagism)이라 한다.

이 이미지즘은 1912년경에 H. E. 흄, 에즈라 파운드 등을 중심으로 영 미 시인들이 일으켰던 시운동이다. 이들은 시에서 무엇보다도 이미지를 중요한 것으로 여겼으며 선명한 이미지를 보여주는 시들을 많이 썼다. 이미지즘의 근본 주장은 다음과 같은 것들이다.

1)일상이 언어를 사용할 것, 그러나 반드시 정확한 말을 쓸 것, 너무 정확한 말을 피할 것

2) 모든 습관화된 표현을 피할 것

3) 새로운 기분을 표현하는 새로운 리듬을 창조할 것, 옛 기분을 반향 할 뿐인 옛 리듬을 흉내 내지 말 것

4) 주제의 선택에 있어서 완전히 자유로울 것

5) 하나의 이미지를 제시할 것, 구체적인 사실을 정확히 보여주어야 하며 아무리 웅장하고 귀에 좋게 들리더라도 막연한 일반론, 추상론을 배제할 것

6) 견고하고 투명한 시를 쓸 것, 윤곽이 흐리든가 불명확한 시를 피할 것

7) 집약, 집중을 위해 노력할 것, 그것이 시의 정수임을 알 것

8) 완전한 진술이나 설명보다는 간략히 암시할 것.

3. 이미지에서 상상되는 형상의 종류

시문에 등장하는 이미지의 형상은 상상력의 확장에 의하여 그 형상을 그려낸다.

우리는 흔히 이렇게 그려낸 이미지를 유추적 이미지와 연상적 이미지로 구분한다(이미지의 종류라고도 한다. 또는 이미지의 분류, 또는 이미지의 성격이라고도 한다.)

임보 시인은 그의 문학 이론에서 유추적 이미지와 연상적 이미지의 개념을 다음과 같이 설명하고 있다. 그 이론을 소개한다.

4. 유추적 이미지와 연상적 이미지

1) 유추적 이미지

어떤 사물의 형태를 보고 유사한 특징을 지닌 다른 사물을 그려낼 때, 즉 동일성이나 유사성에 근거해서 떠오르는 이미지를 상상해 낼 때 시론에서는 유추적(類推的) 이미지라고 한다.

예를들면 안경을 보고 안경의 두 테가 마치 자전거의 두 바퀴처럼 이미지를 그려냈다거나 긴 허리띠를 보고 뱀으로 상상을 했다면 면 두 사물이 지닌 유사한 특징 안경의 '두 테'의 형싱과 '길다란' 형상이 바로 유추적 이미지가 되는 것이다.

2) 연상적(聯想的) 이미지

두 사물의 인접성이나 친근성에 근거하여 떠오르는 이미지로, 꽃을 보자 벌이 생각나고,

벌을 생각하자 꿀이 떠올랐다면 이것이 곧 연상적 이미지인 것이다.

이렇듯 두 사물의 인접성이나 친근성에 근거하다 보면 '바다'를 얘기하면서 자연스럽게 '물고기'를 끌어들이고 '숲'을 말하면서 지저귀는 '새'를 등장시키는 것 등이다.

그런데 모던이즘이 주류를 이루는 오늘의 현대시는 사물과 이미지 사이에 동일성이나 인접성을 의도적으로 거부하려는 경향을 지니고 있는바, 이는 유추적 이미지나 연상적 이미지보다는 시인의 상상력에 의해 새로운 이미지를 창조해 내고자 함이다.

이 상상적 이미지에 관하여 임보 시인은 다음과 같이 설명을 통해 그 개념을 정의 하고 있다.

5. 상상적 이미지(창조적 이미지)

시인의 상상력에 의하여 그려놓은 낯선 이미지를 상상적(想像的) 이미지 혹은 창조적 이미지라고 하는데 이 상상적 이미지는 바로 현대시를 난해하게 하는 요인의 하나가 되고 있다. 왜냐하면 이러한 이미지들은 과거의 누구에게서도 제기되지 않았던, 처음으로 들춰진 낯선 것들이기 때문이다.

그래서 보편적인 공감을 얻기란 쉽지 않지만 우선 신선하고 신기하게 와 닿는다.

뿐만 아니라 유추적 이미지와 연상적 이미지는 동일성과 인접성에 근거하기 때문에

대상과 이미지가 만들어 내는 의미망은 비교적 단순하다고 할 수 있다.

그러나 상상적 이미지인 경우는 대상과 이미지가 동일성이나 인접성으로 고착되어 있지 않기 때문에 그 두 관계는 무한히 열려 있다고 할 수 있다.

말하자면 독자들은 자기들 나름의 상상력을 동원하여 시인이 제시한 이미지에 끝없는 의미망을 구축할 수 있다.

소위 수용론자들이 주장하고 있는 창조적 독서가 능률적으로 실현될 수 있게 된다.

현대시에서 상상적 이미지가 주목받고 있는 이유가 바로 여기에 있다.

그런데 그 상상적 이미지는 대상이 시인에게 스스로 부여해 주는 것이 아니라 시인이 대상 속에 파고들어 발굴해 내야 하는 것임을 기억 해야 한다.

광부가 하나의 광맥을 찾기 위해서 수백 미터의 지하를 뚫고 들어가듯이, 창조적 이미지를 찾는다는 것은 예지와 인내와 노역을 동반하는 고행의 길이다. 그것은 사물과의 피나는 투쟁이며, 세계를 처단하는 폭력이며, 세상을 새롭게 창조하는 독재다. 시인이 그러한 고뇌를 감수하면서도 시의 길을 가는 것은 바로 이 독재적인 창조를 통해 맛보는 환희로 보상받기 때문이리라.

시의 눈부신 씨앗―영감은 기다리는 자의 것이 아니라 땀 흘려 찾는 자의 몫이다.(임보)

슬픈 오르가슴 / 이근모

오르가슴은 슬프다

저리도 흐느끼는 걸 보면

그렇게 흐느끼다가

울다가

심장 가까운 곳에 모여든

슬픔을 밀어내는

독한 사랑의 울음 소리

오르가슴 이라는 환희의 오류가

오르가슴 이라는 울음에서 시작되는

저

슬픈

오르가슴.

#문학특강

창작의 기본 태도

백현국(시인, 평론가)

많은 작품들이 인터넷상에 올라오고 있다. 하지만 그 습작의 수준은 놀라운 수준을 가지고 있는 경우도 있지만 대부분 심각한 문제를 갖고 있는 것도 사실이다. 습작을 하는 사람들 가운데 가장 문제가 되는 것은 자신의 창작에 대한 막연한 자신감과 독단적인 태도일 것이다. 문학을 전공하는 사람들은 기본적으로 문학의 각종 이론과 원론에 대한 견해의 충돌과정을 배우게 된다. 이러한 과정 속에서 각 시대나 사조, 철학이나 이데올로기의 변화에 따라 문학이 어떠한 노선을 어떻게 걸어왔는가를 배우게 된다. 이러한 맥락 속에서 과거의 문학적 환경 이해와 문학자들의 행태에 대하여 배우게 되고 나아가 현실에 처한 시인들은 철저한 자기만의 독특한 인식을 작품에 반영하게 된다. 그 인식이란 바로 자신이 처한 현실과 시스템, 그리고 세계관을 새롭게 해석해 내는 힘을 말한다. 각 사이트를 돌아보면서 느끼는 것은 일부 습작들과 일부 기성 시인들의 작품 속에는 다음과 같은 안타까움이 있다는 사실이다.

첫째는 내용이 너무 단순성이다. 내용이 창의적이지 못할 경우에는 아무리 시를 잘 썼다고 하더라도 그 효과는 반감된다고 볼 수 있다. 꽃을 아름답다고 한 시는 시라기 보다 서술에 가깝다고 보는 것이 맞을 것이다. 사물을 보고 누구나 같은 감성으로 쓰는 것, 그리고 문학적 언어의 측면이 무시된 시어의 구사 등으로 쓴 작품은 내용에 있어 참신성이 없는 글이 되는 만큼 감동을 주지 못한다. 이는 내용에 있어 창의적인 안목을 가져야 한다는 뜻이다. 이를 자신만의 문학세계로 발전시키지 못하면 아류가 되기 쉽다. 비록 글은 세련되지 못하여도 내용은 아주 감동적일 수 있는 작품을 쓰는 것을 말함이다. 깊이를 주지 못하면 가장 유혹 받기 쉬운 것이 바로 형식의 난해다.

둘째는 개인의 총체적인 사유가 뒷받침 되지 않은 작품이다. 깊은 사유의 틀에서 출발 되지 않은 것들은 대부분 말비틀기 즉 언어의 유희적인 측면에만 초점이 맞추어져 있기 때문에 시 자체가 가볍게 느껴지는 경우가 대부분이다. 언어의 효과음이나 언어의 모사 이미지의 변용은 심각한 오류를 낳게 된다. 깊은 사유란 곧 자신이 갖고 있는 세계관이고 보면 그 세계관이 어느 날 문득 깨달아지는 선禪적인 깨달음과는 다른 것이다. 방대한 독서량과 깊은 천착으로 나타날 문제라는 것이다. 일부 시인들은 자신이 처한 세계관을 해석해 낼만한 사유의 틀이 없어서 오히려 왜곡된 사상寫像과 일탈된 시스템에 역이용 당하기도 한다는 사실은 식민지를 겪고 독재를 겪은 우리 문학계에 그리고 자본의 논리에 함몰 될 수도 있다는 점에서 시사하는 바가 크다고 보는 것이다.

셋째는 구체성이나 정확성이 결여된 나머지 관념적인 시를 쓰는 경우이다. 관념이란 개별 시인의 독특한 세계관을 드러내는 아주 요긴한 것이다. 그럼에도 불구하고 관념이란 적절한 시어와 효과적인 비유나 상징에 장애요소이다. 자신의 관념을 시로 옮겨 쓰다보면 각 이미지간 연결이나 시작 속에 나타나야 하는 종결의 거리를 잊어버리는 경우가 많기 때문이다. 관념을 시로 옮기면 알 수 없는 시어들이 혼란스럽게 배치되는 데, 이는 무질서한 시어의 남발이나 무의미를 조장하게 된다. 자신은 자신의 시를 알 수 있으나 독자는 그 시를 전혀 알 수 없게 된다. 형이상학적인 말만 늘어놓고 아주 수준이 높다는 것을 스스로 강요하는 것이 된다. 이것이 모호한 표현의 문제요 적절치 않은 시어의 사용이다. 시어를 사용함에 있어 이 시어의 사용이 적절한지, 정확한지는 반드시 따져보고 써야 한다.

넷째는 자기만 감동시키는 시는 독자를 감동시키지 못한다는 문제이다. 습작이 시인의 주관적인 정서에 그치고 말면 독자가 사유할 수 있는 공간이 사라진다. 글을 쓴다는 것이 자신의 욕망을 드러내는 것이라는 게 분명하다. 하지만 대부분은 습작을 자신의 감정을 토로하는 것으로 생각하는 오류를 범하고 있다. 이러한 토로는 자신의 감정을 순화시킬지는 모르나 독자들에게는 자신의 감정을 억지로 끌고 가 마침내 독자의 감성을 박탈시키는 게 된다는 점이다. 이러한 시작을 하는 이들은 대체로 보여주고 싶은 시가 주류가 된다. 보여주고 싶은 시란 결국 독자들의 호기심을 자극하는 시 쪽으로 가게 되는데 결국 감각적이고 관능적인 시로 가게 된다. 심지어는 자신의 컴플렉스를 습작을 통해 폭력적으로 드러내기도 하는데 이는 분명 글의 폭력이다. 남을 감동시키지 못하면 습작을 할 필요가 없다.

다섯째 공부하지 않는 습작 시인의 문제이다. 습작은 글의 기교적 측면을 배운다는 것이 아니다. 습작을 하기 위해서는 다른 훌륭한 작품들을 많이 보고, 그들의 작품성에 대한 배경지식이 절대적으로 필요한 것이다. 자신의 글이 훌륭하다고 생각하는 이상 절대 훌륭한 시를 쓸 수가 없다. 기본적으로 시 창작에 관한 공부와 사조 그리고 문학의 개론서 정도는 독파를 하고서야 습작을 하라는 얘기다. 인간세계와 완전히 단절된 세상에서 시를 쓰지 않는 한 배워야 하는 것이다. 이것은 모작의 문제보다 모작을 방지하는 문제로 먼저 인식해야 한다. 일부 시인들은 “자신이 하고 싶은 말과 쓰고 싶은 글은 모두 작품이다” 라는 얼토당토 않는 말을 들은 적 있다. 이러한 글은 비평조차 거부하는 경우가 많다.

여섯째 작품은 구조성이 중요하다. 흔히 문학 작품의 내용구조를 건축물에 비유한다. 건축물에는 그 건물을 지탱하는 철골구조가 대단히 중요하듯 작품에도 구조의 중요성은 중요하다. 작품은 일종의 구조를 갖는다. 일자시가 아닌 이상 반드시 처음/중간/끝이 있기 마련인데 이러한 구조가 부실하면 시로써 완성도가 떨어진다고 말한다. 작품의 전개상 기승전결이나 서/본/결이 단단하지 못할 때, 작품의 질이 떨어지게 되는 것이다. 발전적으로 전개하던지, 하강하던지, 아니면 처음과 끝이 연결되도록 장치하는 것을 말한다. 이런 점에서 각 내용과 각 연들의 내용이 서로 관련성이 없을수록 완성도가 떨어진다고 보면 된다. 습작을 하는 분들의 가장 큰 문제가 이러한 연결 구조를 잘 정리하지 못하는 문제를 자주 본다.

끝으로 습작은 습작이다. 습작이란 수정을 요하는 작업이라는 뜻이다. 계속적인 습작에 대한 수정과 보완을 통하여 발표되어야 한다. 발표란 세상에 내놓는 것이고 보면 자신의 작품이 영원히 세상에 남는다는 뜻도 된다. 이는 독자들은 물론 평자들의 평가를 영원히 피할 수 없다는 뜻도 된다. 한 때 이미 작고한 시인들의 미발표 시작을 공개하고 책으로 낸 경우가 있었다. 이것은 그 시인을 욕보인 뜻이기도 하다. 피치 못할 경우를 제외하고는 완성작으로 내놓지 않는 이상 미발표작을 공개하는 것이 얼마나 그 시인의 평가에 악영향을 끼쳤는가는 한번 따져 볼 필요가 있다. 창작이란 늘 자신의 부끄러운 속살을 보이는 아픈 작업이어야 한다는 말은 결코 심한 말은 아니라고 본다.

<2005년 봄 계간 e문학 창간호>

[제13강]

창조를 위한 모방 법

이근모(시인)

나는 시를 막 쓰기 시작하는 시인 지망생들로 부터 이런 질문을 많이 받는다.

"시인님 어떻게 하면 좋은 시를 쓸 수 있어요?"

그럴 때마다 나는

"무한의 상상력으로 좋은시를 많이 읽고 그 시들을 필사를 해보십시오"

"그러면 어느 순간에 자신도 모르게 시에대한 모든 이론을 구태여 공부하지않아도 터득하게되고 시를 쓰는 방법과 그 시에서 노래해야할 가락도 자연스럽게 쓰여집니다" 하고.

"누에도 뽕잎을 먹으면 비단실을 토하듯 당신이 바로 누예라면 좋은시가 뽕잎이고 비단실은 당신이 쓴 시랍니다" 이렇게 답을 한다.

내가 젊은 시절 서예를 배우기 위해 서예학원을 3년정도 다닌적이 있었다.

그때 서예 선생님께서 서체의 원본을 주고 그 원본대로 베껴 쓰라는 것이다. 즉 서예를 하는 첫걸음으로 서체를 베껴써서 필력을 키우고 서체도 익힌다는 것이다.

이렇듯 서체를 베끼는 것을 모사(模寫)라 하는데 이 모사의 관문을 통해야 비로소 창의적으로 붓을 놀릴자격이 주어지기에 이 자격을 얻기위한 필수 요건이 바로 모사(模寫)인 것이다.

우리는 흔히 ‘본뜨다’라는 말을 하는데 이 말은 무엇을 본보기로 삼아 그와 같게 하거나 흉내 내어 그대로 따라 한다는 뜻이다.

떠야 할 본(本)을 문자나 행동으로 따라 하는 일을 모방이라고 한다. 그리고 모사 역시 모방의 한 범주안에 들어가는 것이다.

우리가 시를 쓸 때 좋은시를 읽고 필사를 하는 것도 일종의 모방을 하는것으로 봐야한다.

그렇다면 시를 쓰는 사람은 모방을 어떤 관점에서 바라보아야 할까? 일찍이 아리스토텔레스는 시간의 연속성 위에 놓인 극이 행동의 모방이라고 했다. 이 모방론은 문학의 기원과 발생을 설명하는 일에서부터 창작방법을 모색하는 자리에까지 두루 활용된다.

프랑스의 철학자 <르네지라르>는 “인간의 욕망 자체에는 전염병 같은 본질적 모방 경향이 내재해 있다”고 하였다. 그는 이런 전제를 바탕으로 모방본능은 동질성의 본능과 통한다고 하였다. “자기가 지향하는 존재를 발견할 때마다 그 추종자는 타인이 그에게 가르쳐 준 것을 욕망함으로써 그 존재에 도달하려고 애쓴다”는 것이다. 뛰어나거나 잘난 상대방과 유사해지려는 욕망은 본능적으로 언어 표현이나 행동을 통해 나타나게 마련이다.

좋은 글을 모방 한다 하면 이는 표절이 된다

그래서 어떤 시인은

3류는 표절하고

2류는 모방하고

1류는 모방해서 똥을 싸서 그 모방된 글을 깜쪽같이 자기의 독창적인 것으로 풀어먹고 에헴하면서 헛기침을 한다고 했다.

이는 모방을 하되 변화를 추구하여 자기만의 법도로 창작해내라는 의미를 담고 있다.

그러면 여기서 모방을 통한 자기만의 법도란 무엇일까? 안도현 시인은 이에 대한 답을 다음과 같이 이야기 한다.

첫째, 모방을 위한 모방을 해서는 안 된다. 그렇게 하면 죽은 시체를 쌓아놓는 일에 지나지 않는다. 둘째, 억지로 모방을 해서는 안 된다. 누에가 뽕잎을 먹되 토해내는 것은 비단실이지 뽕잎이 아니다.

셋째, 모방을 융화시켜 매끄럽게 해야 한다. 물속에 소금을 넣어 그 물을 마셔봐야 비로소 짠맛을 알게 되는 것 같은 상태가 되어야 한다.

현대에 와서도 시 창작에 대한 고민은 모방에 대한 고민과 궤를 같이한다. 모방할 것인가, 말 것인가? 가령 모방을 한다면 어디까지 모방하고, 무엇을 모방하며, 언제까지 모방할 것인가?

이에 대한 답은 아주 간단하다.

안도현 시인의 모방에 관한 시론을 보면 무작정 모방만 하는 3류가 되지말고 모방을 배우면서 모방을 괴로워할 줄 아는 창조자가 되라는 것이다.

모방의 단물 쓴물까지 다 빨아들인 뒤에, 자신의 목소리를 가까스로 낼 수 있을 때, 그때 가서 모방의 괴로움을 벗어던지고 즐거운 창조자가 되면 일류 시인으로 거듭난다고 본다.

모든 앞선 문장과 모든 스승과 모든 선배는 습작을 하고 있는 바로 우리가 밟고 가라고 저만큼 앞에 서 있는 것이니 우리는 그들을 징검돌 삼아 무참히 밟고가면 어느 순간 일류 시인의 반열에 올라와 있을것이다.

찔레꽃 Ⅲ / 이근모

-백석의 여승을 읽고-

돋아난 가시 오롯이 홀로 서서

한 서린 삭풍처럼 봄 햇살을 찌르는데

찌르는 가시, 가시 한 많은 설움이다.

찔레꽃 향기에서 어머니의 냄새가 났다.

봄 빛 아지랑이는 나를 유년으로 데려갔다.

추억은 샘물처럼 서러움을 퍼냈다.

오월 어느 날

나는 미역국을 대신한 된장 푼 보릿잎국을 마셨다.

찔레꽃 잎은 하얀 이밥이 되었다.

어머니는 훌쩍이는 아들을 보듬고

찔레꽃 가시 꺾어 따갑게 울었다.

산나물 캐러간 어머니는 큰 바윗덩어리 하나를 가져왔다.

허파를 갉아 자리 튼 바위

어머니는 찔레꽃이 좋아 찔레꽃 동산으로 갔다.

보리밭 이랑에서 종달새도 섧게 울은 슬픈 날이었다.

어머니 저고리가 지붕위에서 찔레꽃처럼 하얗게 피고 있는 날이었다.

찔레꽃 피는 5월 그날.

[제13강]

창조를 위한 모방 법

이근모(시인)

나는 시를 막 쓰기 시작하는 시인 지망생들로 부터 이런 질문을 많이 받는다.

"시인님 어떻게 하면 좋은 시를 쓸 수 있어요?"

그럴 때마다 나는

"무한의 상상력으로 좋은시를 많이 읽고 그 시들을 필사를 해보십시오"

"그러면 어느 순간에 자신도 모르게 시에대한 모든 이론을 구태여 공부하지않아도 터득하게되고 시를 쓰는 방법과 그 시에서 노래해야할 가락도 자연스럽게 쓰여집니다" 하고.

"누에도 뽕잎을 먹으면 비단실을 토하듯 당신이 바로 누예라면 좋은시가 뽕잎이고 비단실은 당신이 쓴 시랍니다" 이렇게 답을 한다.

내가 젊은 시절 서예를 배우기 위해 서예학원을 3년정도 다닌적이 있었다.

그때 서예 선생님께서 서체의 원본을 주고 그 원본대로 베껴 쓰라는 것이다. 즉 서예를 하는 첫걸음으로 서체를 베껴써서 필력을 키우고 서체도 익힌다는 것이다.

이렇듯 서체를 베끼는 것을 모사(模寫)라 하는데 이 모사의 관문을 통해야 비로소 창의적으로 붓을 놀릴자격이 주어지기에 이 자격을 얻기위한 필수 요건이 바로 모사(模寫)인 것이다.

우리는 흔히 ‘본뜨다’라는 말을 하는데 이 말은 무엇을 본보기로 삼아 그와 같게 하거나 흉내 내어 그대로 따라 한다는 뜻이다.

떠야 할 본(本)을 문자나 행동으로 따라 하는 일을 모방이라고 한다. 그리고 모사 역시 모방의 한 범주안에 들어가는 것이다.

우리가 시를 쓸 때 좋은시를 읽고 필사를 하는 것도 일종의 모방을 하는것으로 봐야한다.

그렇다면 시를 쓰는 사람은 모방을 어떤 관점에서 바라보아야 할까? 일찍이 아리스토텔레스는 시간의 연속성 위에 놓인 극이 행동의 모방이라고 했다. 이 모방론은 문학의 기원과 발생을 설명하는 일에서부터 창작방법을 모색하는 자리에까지 두루 활용된다.

프랑스의 철학자 <르네지라르>는 “인간의 욕망 자체에는 전염병 같은 본질적 모방 경향이 내재해 있다”고 하였다. 그는 이런 전제를 바탕으로 모방본능은 동질성의 본능과 통한다고 하였다. “자기가 지향하는 존재를 발견할 때마다 그 추종자는 타인이 그에게 가르쳐 준 것을 욕망함으로써 그 존재에 도달하려고 애쓴다”는 것이다. 뛰어나거나 잘난 상대방과 유사해지려는 욕망은 본능적으로 언어 표현이나 행동을 통해 나타나게 마련이다.

좋은 글을 모방 한다 하면 이는 표절이 된다

그래서 어떤 시인은

3류는 표절하고

2류는 모방하고

1류는 모방해서 똥을 싸서 그 모방된 글을 깜쪽같이 자기의 독창적인 것으로 풀어먹고 에헴하면서 헛기침을 한다고 했다.

이는 모방을 하되 변화를 추구하여 자기만의 법도로 창작해내라는 의미를 담고 있다.

그러면 여기서 모방을 통한 자기만의 법도란 무엇일까? 안도현 시인은 이에 대한 답을 다음과 같이 이야기 한다.

첫째, 모방을 위한 모방을 해서는 안 된다. 그렇게 하면 죽은 시체를 쌓아놓는 일에 지나지 않는다. 둘째, 억지로 모방을 해서는 안 된다. 누에가 뽕잎을 먹되 토해내는 것은 비단실이지 뽕잎이 아니다.

셋째, 모방을 융화시켜 매끄럽게 해야 한다. 물속에 소금을 넣어 그 물을 마셔봐야 비로소 짠맛을 알게 되는 것 같은 상태가 되어야 한다.

현대에 와서도 시 창작에 대한 고민은 모방에 대한 고민과 궤를 같이한다. 모방할 것인가, 말 것인가? 가령 모방을 한다면 어디까지 모방하고, 무엇을 모방하며, 언제까지 모방할 것인가?

이에 대한 답은 아주 간단하다.

안도현 시인의 모방에 관한 시론을 보면 무작정 모방만 하는 3류가 되지말고 모방을 배우면서 모방을 괴로워할 줄 아는 창조자가 되라는 것이다.

모방의 단물 쓴물까지 다 빨아들인 뒤에, 자신의 목소리를 가까스로 낼 수 있을 때, 그때 가서 모방의 괴로움을 벗어던지고 즐거운 창조자가 되면 일류 시인으로 거듭난다고 본다.

모든 앞선 문장과 모든 스승과 모든 선배는 습작을 하고 있는 바로 우리가 밟고 가라고 저만큼 앞에 서 있는 것이니 우리는 그들을 징검돌 삼아 무참히 밟고가면 어느 순간 일류 시인의 반열에 올라와 있을것이다.

찔레꽃 Ⅲ / 이근모

-백석의 여승을 읽고-

돋아난 가시 오롯이 홀로 서서

한 서린 삭풍처럼 봄 햇살을 찌르는데

찌르는 가시, 가시 한 많은 설움이다.

찔레꽃 향기에서 어머니의 냄새가 났다.

봄 빛 아지랑이는 나를 유년으로 데려갔다.

추억은 샘물처럼 서러움을 퍼냈다.

오월 어느 날

나는 미역국을 대신한 된장 푼 보릿잎국을 마셨다.

찔레꽃 잎은 하얀 이밥이 되었다.

어머니는 훌쩍이는 아들을 보듬고

찔레꽃 가시 꺾어 따갑게 울었다.

산나물 캐러간 어머니는 큰 바윗덩어리 하나를 가져왔다.

허파를 갉아 자리 튼 바위

어머니는 찔레꽃이 좋아 찔레꽃 동산으로 갔다.

보리밭 이랑에서 종달새도 섧게 울은 슬픈 날이었다.

어머니 저고리가 지붕위에서 찔레꽃처럼 하얗게 피고 있는 날이었다.

찔레꽃 피는 5월 그날.

[제17강]

시적변용과 형상화

이근모(시인)

1.여는 말

우리는 의사소통이라는 말을 사용하여 교감의 의미를 설명한다. 

시에 있어서도 시를 감상함에 있어 그 시가 이야기하고자하는 내면을 제대로 파악하고 이해를 했을 때 화자와 독자 간에 교감이 생기고 의사소통이 이루어지고 시의 메시지가 무엇인가를 알게 된다. 

시를 씀에 있어 시를 이미지화 하라는 주문도 종종 있다. 

그런데 시를 이미지화 한답시고 어법과 맞지 않는 단어의 연결이라든지 의미의 연결이 되지 않는 시어의 사용을 볼 수 있다. 

소위 말장난 같은 시어로 시를 썼지만 그 시를 가만히 들여다보면 도저히 무슨 의미인지를 파악하기가 어렵다. 

그저 말장난만 해놓았지 그 시의 내용에 메시지도 없고 그렇다고 이미지화 된 것도 없고 시적 변용의 형상화가 전혀 되어있지 않다. 

그러면 여기서 시적변용의 형상화란 무슨 의미일까 이 개념부터 짚고 넘어가야 주제에 관한 이야기가 쉽게 풀어질 것 같다. 

하나의 문장을 예를 들어 제시한 개념을 설명하고자한다. 

'갈퀴로 낙엽을 긁어 모았다' 라는 문장에서 '긁은다'라는 단어를 놓고 생각을 해보자. 

긁는다는 것은 그 긁는 대상이 형태가 있고 긁어질 수 있어야 한다는 것을 전재로 함을 알 수 있다. 

그런데 이 긁는다는 단어를 시문에서 '흐르는 눈물을 긁어모아 가슴에 담았다' 

이렇게 표현 했다고 하자. 

눈물을 어떻게 긁어모을 수 있을까? 

이 표현을 어법이나 문법적으로 이해한다면 맞지 않는 문장표현이다. 

갈퀴가 어떻게 눈물을 긁어모을 수 있다는 것인가? 

이 싯구를 산문적으로 이해한다면 헛수고에 그친다. 그러나 이를 싯구에서 사용한다는 것은 주관적 정서적 해석을 통해 실감을 부여한 것이라 할 수 있다. 

이러한 기법을 시적 변용과 형상화라는 용어로 명명한다. 

변용이란 일종의 데포르마시옹(deformation) 으로 미술용어이기도 하다. 

대상의 자연 형태를 재현하는 것이 아니거나 작가의 주관에서 모양이나 형태를 의식적으로 확대하거나 변개하여 표현하는 그 기법을 시문에서 차용하는 것을 의미한다. 

1930년대 모더니즘 운동에 참여한 박용철 시인의 시적변용이란 평론이 그 한 예라 할 것이다. 이 시적 표현의 변용이 형상화가 되면서 하나의 이미지를 만들어 내고 있는 것이다. 

2.시 감상 하기

노을 / 이근모 

리어카 바퀴에 감겨있던 노을 

불 꺼진 방 어둠을 갉아 먹는다 

가장 오래된 뇌세포만이 

뚜렷한 흔적으로 남아 

생글뱅글 웃음 짓는 홍안 같이 

서산 등성마루에 걸친 노을 

팔고 남은 생선 한 마리 

리어카 좌판에서 뒹굴고 

석양에 처진 그림자 드리우며 

문지방 들어서는 아들 

치매 엄니 눈동자엔 

첫돌 맞은 모습만이 생생할 뿐 

파란중첩 삶의 애환 

노을 저편으로 달린다. 

3.감상시 해설(나가는 말)

위의 노을시에서 리어카 바퀴에 감겨있던 노을

이라는 시어가 나오는데 노을이 어찌 바퀴에 감길 수 있겠는가? 실이나 줄같으면 몰라도 - -

그러나 시에서는 이것을 줄이 감겨 있는 것처럼 형상화해서 노을이 감겨 있다고 이미지화 했다

이것도 시어의 시적 허용에 해당되는 시어 일종이다. 이렇듯 시에서 표현되는 이런 기법을 시적변용으로 형상화 했다 해서 시적변용과 형상화라고 정의 한다. 이 정의는 용아 박용철 시인이 현대시가 들어온 1930년대 그의 평론에서 처음으로 <시적변용과 형상>이라는 용어의 기술과 함께 그 정의를 내려놓은 이론이다.

그리고 노을이 어둠을 갉아 먹는다고 표현한 시어도 이러한 기법이다.

[단상]

<시와 이야기가 추구하는 시창작 학습 방향>

이근모(시인)

주제에 관한 이야기를 하기에 앞서 다음의 "양봉 인문학" 이라는 김월회 서울대 중어중문과 교수의 글을 소개 한후 이 글의 메시지를 가지고 '시와 이야기'의 시 창작 학습 방향을 제시할까 합니다.

☆ ☆ ☆

‘양봉養蜂 인문학’

벌써 꽤 됐다. 여기저기서 인문학이다. 혹자는 붐이라고도 하고 타령이라고도 하며 한편에선 그래서 더 위기라고도 한다. 반응은 다르지만 공통점도 있다. 전에 비해 인문학이 ‘어찌됐든 호황’이란 사실이다.

자본주의사회 특히 우리 사회처럼 돈이 삶의 목표요 최고의 덕목인양 추앙되는 곳에선, 무언가가 호황이라 함은 그것이 금전적 이익이 될 가능성이 높다는 뜻이 된다. 곧 호황을 누리는 인문학은 쏠쏠한 돈벌이기도 하다는 말이다. 하여 기업에서조차 인문학적 소양을 갖춘 전문인력을 양성하라고 대학을 압박한다. 그럼에도 대학에선 왜 관련 학과를 없애고, 학생들은 왜 또 인문학을 기피하는 것일까.

하기야 사회 전체 차원에서 돈벌이가 된다고 하여 개인에게도 그런 것만은 아니다. 인문학이 돈은 되는데 그 돈을, 인문학을 접한 모두가 다 가지게 되는 건 아니라는 얘기다. 기업의 부가 증대됐다고 하여 사원 모두가 형편이 나아지는 건 아님과 같은 이치이다. 부가 한쪽으로 쏠렸기 때문이니, 국민은 가계 빚에 허덕여도 국부는 증대되고 기업의 사내유보금이 늘어나는 것도 이런 연유에서다(언론에 따르면 올 3월 기준 10대 그룹 상장사의 사내유보금은 전년 대비 40조원 가까이 늘어 500조원을 돌파했다). 인문학과 돈벌이 간의 관계도 마찬가지여서 그 수익이 한쪽으로 쏠리고 있다. 결과적으로 인문학이 부의 편중을 강화시켜주는 모양새가 됐음이다. 대체 어쩌다 인문학이 이 지경에 처했을까?

답은 명료하다. 호황을 누리는 인문학이 ‘양봉(養蜂) 인문학’이기 때문이다. 사회에서 인문학이 거듭 소환되는 까닭은 자율이나 창의, 배려 같이 우리 사회에 절대적으로 필요한 역량을 갖추는 데 그것이 유용하기 때문이다. 그런데 막상 현장에서 요구되는 것은 ‘변질된’ 자율이요, 창의, 배려이다. 조직의 장이 설정한 범위나 그의 기호, 이념적 지향 등을 자율적으로 넘어선 창의는 곧잘 부정된다. 진리나 양심, 사회적 약자 등을 배려했다간 본인이 소수자가 되고 만다. 그건 자율이나 창의, 배려가 아니라 불순함으로 치부된다. 현장에서 요구되는 인문학은 그저 문제되지 않는 수준에서 조직에 더욱 이익이 되게끔 알아서 처신하는 데 필요한 정도의 창의성과 배려심 등을 갖춰주는 것이다. 경우에 따라선 조직의 이해관계를 앞세워 불의나 악(惡)에게도 알아서 ‘배려’해주는 그런 ‘창의적’ 능력 말이다.

하여 인문학이 각광 받을수록 사회와 사람은 인문적이지 않게 된다. 현장에선 인문학의 이름으로 조직의 이익을 위해서만 자율적이고도 창의적으로 헌신하라고 주문한다. 단지 꿀만 따오면 되는 일벌이어선 안 되고 어떻게 하면 더 많은 꿀을 따올까를 생각할 줄 아는 ‘인문학적 일벌’이 되라고 요구한다. 단 생각할 줄 안다고 하여 ‘왜 난 여왕벌로 태어나지 않았을까’ ‘여왕벌은 일도 않는데 어찌 로열젤리를 먹을까’ 같은 물음을 생각해내면 절대 안 된다. 그런 사유의 능력은 불온하다며 비판된다. 이것이 호황을 누리는 인문학의 실상이다. 더 많은 꿀의 획득을 위해서만 생각하며 일을 하는 ‘몽유(夢遊)적 일벌’의 구성을 위한 양봉 인문학 말이다.

문제는 양봉 인문학이 기업이나 사주를 살찌울 수는 있을지언정 개인을 결코 행복하게 만들진 못한다는 점이다. 게다가 국가 차원에서도 별 도움이 되질 못 한다. 경제력에선 선진국에 비견될지 몰라도 그 외 부문에선 선진국 문턱에 간신히 매달려 있다고나 할까. 삶의 모든 방면에서 스스로를 선진국 수준으로 견인해내지 못하면 추락할 수밖에 없는 것이 우리네 처지이다.

그래서 자율과 창의 같은 역량이 절실하게 요청된다. 우리 사회에 필요한 존재는 ‘인문학적 일벌’이 아니라 말 그대로 ‘인문학적 사람’이란 것이다. 양봉 인문학으로 그런 자율적이고 창의적 존재가 될 수 없음은 너무나 자명하지 않은가.

(김월회 서울대 중어중문과 교수)

☆ ☆ ☆

즐거운 주말 되십시오

위의 글 양봉 인문학에서 느끼는 바가 큽니다

요즘 인터넷 또는 오프라인에서 시문학 강의가 한창 입니다 그런데 여기서 행해지는 행태가 바로 양봉 인문학처럼 양봉 시문학의 행태로 이루어 지고 있기에 참고 하시라고 올립니다.

시와 이야기 공간에서는 양봉 시문학을 강요하지 않습니다.

시를 배우고 싶다고 가입하는 밴친님께 개인적으로 제가 문자나 댓글을드립니다.

이곳은 어떤 틀을 강요하는 문학 강좌를 하는곳이 아니고 시 창작에 참고가 되는 다양한 사례들을 소개하여 본인 스스로가 깨우치고 시의 세계를 알아가면서 스스로 자기만의 시의 세계를 설계해 가도록 하되 어느 편협된 사상 또는 사고의 철학에 빠지지 말고 자유로운 창작의 세계를 완성해가라고- - -

루소의 자연으로 돌아가서 자유방임적 교육만이 무한한 창의력을 발산할 수 있다는 그 철학처럼 여기에 머무시는 밴친 님 역시 그러한 사고하에 시문학 세계를 알아간다면 나무만 보지않고 숲을 볼 수 있는 안목과 함께 대 시인으로 거듭날 것입니다.

[제50강]

앙가지망 시 감상

이근모(시인)

만나는 소리 / 문병란

모든 것이 만나면

소리가 난다

손바닥과 손바닥이 만나면

뜨겁게 뜨겁게 소리가 난다

갈라진 땅과 땅이 만나면

무슨 소리가 날까?

갈라진 南과 北의

갈라진 가슴들이 만나면

거기서 무슨 소리가 날까?

太平洋과 大西洋이

파나마 운하에서 만나듯이

인도양과 지중해가

수에즈 운하에서 만나듯이

대동강물과 한강물은

어디에서 만날까?

히말라야 산맥과 중국 대륙이 만나

뜨겁고 황홀한 몸부림이 되듯이

모든 것은 만나서 무엇이 된다.

애인과 애인의 입술이 만나듯이

강건파와 온건파의 주장이 만나듯이

우리도 만나서 무엇이 되자

뜨겁고 황홀한 무엇이 되자

배와 배가 만나듯이

배꼽과 배꼽이 만나듯이

끊어진 전선을 이어

천 볼트 전류가 흐르듯이

北女여, 빛나는 이 가을

우리도 만나서 무엇이 되자

한라산과 백두산이 마나서

뜨겁게 뜨겁게 입을 맞추듯

우리도 만나서 하나가 되자.

(감상)

제20강에서 앙가지망에 관하여 살펴 보았고 그 강의에서도 앙가지망의 시를 감상한바 있어서 여기서는 앙가지망의 개념에 대하셔는 설명을 생략한다. 그러나 제20강을 미쳐 접하지 못한 분을 위해서 간략하게 앙가지망 시의 의미를 부여하면 "참여시"를 의미 한다고 말하고 싶다.

위의 시 <만나는 소리>는 문병란 시인의 수 많은 참여시 중 가장 최근의 작품으로 시의 주제 성격 메시지 등으로 볼때 그 유명한 직녀에게의 시와 맥을 같이 한다.

서정적, 참여적, 권유적, 청유적 성격의 이 시는 강렬한 호소의 어조와 반복을 통한 의미의 강조로 표현한 시로 만남의 갈망, 상실의 위기에 놓인 소중한 대상을 되찾기를 갈망, 통일을 갈망하는 것을 주제로 하고 있다.

이 작품은 남북 분단의 상황을 가지고 비극적인 떨어져 있음을 드러내면서 이와 유사한 여러가지 상황설정을 통해서 반복적인 표현을 사용하여 만나야 한다는 강한 의지를 노래하여 이 땅의 통일을 이루자는 메시지를 담고 있다

[시론]

시의 속성 아름다움과 진실에 관한 소고

이근모(시인)

시란 무엇인가 하고 질문을 던지면 답을 하는 사람마다 시에관한 여러가지 사례를 들어 각자 자기 나름의 견해와 함께 답을 이야기 한다.

그러나 이러한 답들은 모두 시의 전체적 관점이 아닌 바라보는 시야에 따라 시에 대한 정의를 내리고 있다. 이러한 여러 정의를 묶어 놓고 보면 결국엔 시의 속성적 측면에서 정의한 르네월넥이 문학 비평론에서 제시한 <아름다움 과 진실>이 시란 무엇인가에 대한 통설적 답이라 생각한다. 시의 개념적 측면에서나 기능적 측면에서나 관념적 측면에서나 그 어떤 측면 모두를 대변 할 수 있는 것이 아름다움 이고 진실이기 때문이다.

시에서 강조 하는 이미지와 메시지 또한 이 아름다움과 진실로 연결되어 진다고 본다.

즉, 시에서는 이미지와 메시지가 어우려지는 것이 바로 아름다움과 진실이다.

이미지가 아름다움이고 메시시가 진실인 것으로 좋은 시란 이 아름다움과 진실이 균형있게 짜여 졌을 때 좋은시라하고 독자의 사랑을 받는다

그러나 메시지가 없더라도 아름다움 즉, 이미지 그 자체가 정말 뛰어나게 그려 졌어도 좋은시로 평을 받는다

또한 이와 반대로 이미지는 별로로 즉 아름다움은 표현이 좀 빈약해도 메시지 즉, 시가 담고 있는 철학이 감동을 주는 진실이 엿보이면 이 또한 아주 좋은시로 평을 받는다

이 두조건을 충족 시키기란 보통 어려운 일이 아니다.

하여, 어느 한쪽 만이라도 흡족하다면 그 시는 성공작이 될 것이다

현대의 모더니즘 문학사조가 주류를 이루다 보니 메시지 하면 보통 앙가지망적 사고인 참여시를 혼동하는 경향이 있는데 그런 메시지가 아닌 우리의 삶 자체에서 느끼는 의미 그 자체라는 것이 메시지라는 것을 밝혀둔다.

고향집 /이근모

고향집

내 유년의 별밭 이었던 집

둥근 달 뜨면 장독대 정화수가

도란도란 소원을 들어주던 집

우물가 대추나무

내 꿈만큼 주렁주렁 별을 달아주던 집

외지 나가 십 수 년에

필마 아닌 붕붕으로 돌아서니

버선발 울 어메 간 곳 없고

헛기침 울 아배 간 곳 없네

어디선가 까치 한 마리 날아와

우듬지 홍시에 내 눈물을 얹었다오

터밭에 무성한 잡초

어메 아배 가슴에 박아놓은 못 같아

그 잡초 뽑아

내 가슴에 심었소

내 죽어 떠나면 고향집 그 뉘가 찾을까?

내 뼈가 묻히면 자식들이 찾겠지.

내 영혼 별이 되어

손주들 가슴에 별을 달아 주어야지.

주)

여기서의 별은 꿈 희망 소망의 뜻으로 비유함.

필마아닌 붕붕으로 돌아서니는 그 옛날은 말타고 금의환향 했지만 작금의 세태는 승용차로 고향을 찾는다는 의미 임.